domingo, 12 de abril de 2015

Análisis de exponentes del Renacimiento: Escultura

Miguel Ángel

Análisis Biográfico

Su verdadero nombre fue Michelangelo Bounorroti,nació en Roma en 1475 y murió en 1564.Fue un escultor,arquitecto y pintor renacentista considerado uno de los más grandes artista de la historia,tanto por esculturas,pinturas y obra arquitectónica.
Triunfó en todas las artes en las que trabajó caracterizándose por su perfeccionismo.La escultura era su predilecta y a lo que se dedicó;la pintura casi como una imposición por parte del Papado como se ve en la Bóveda de la Capilla Sixtina.

Análisis formal

El cuerpo de David es el de un hombre musculoso, no el del muchacho de las obras de Donatello y Verrocchio. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo, el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido. El rostro evidencia esta tensión contenida, gran concentración y las aletas de la nariz bastante abiertas. El movimiento es contenido, centrípeto con líneas de fuerza que vuelven al bloque. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate.
Las proporciones del David no corresponden exactamente a las de la figura humana: su cabeza, manos y torso son más grandes de lo estipulado según las proporciones clásicas. Algunos críticos han visto en esta aparente desproporción una muestra de manierismo por remarcar los elementos fundamentales de la composición, aunque otra explicación se debería a la ubicación original de la estatua: sobre uno de los contrafuertes de la Catedral de Florencia, por lo que las proporciones de la escultura deberían aparecer de forma correcta a cierta distancia.

Análisis Simbólico
Análisis Crítico

Donatello

Análisis Biográfico

Análisis Formal

Se trata de un una obra escultórica de bulto redondo o exenta, cuyo material
utilizado fue el bronce y su medida es de 1,58 metros de alto.
Respecto a su análisis estilístico, en la escultura se nos representa a un joven en una postura muy elegante y relajada. La composición es cerrada ya que ninguna parte de su cuerpo alude al espectador o al exterior. Su cuerpo aparece desnudo, a excepción del sombrero laureado que lleva sobre la cabeza y calzando botas hasta las rodillas. Está de pie con el torso erguido, elevando la cadera derecha y la pierna izquierda sobre la cabeza de su enemigo. De esa forma, crea con su cuerpo la famosa curva praxiteliana a partir del contrapposto, influencia, sin duda, de la estatuaria griega clásica. En sus manos lleva dos objetos: por un lado, en la mano izquierda lleva una piedra con la que lo ha derribado al enemigo, mientras apoya la mano sobre su cadera, por otro lado, en la derecha tiene una espada con la que ha cortado la cabeza.
Donatello buscó la armonía y proporción en la obra, así pues, vemos que el
rostro del David es muy bello con proporciones armónicas, presentando unas facciones suaves pero bien definidas y estudiadas. La mirada se dirige hacia abajo, con una sonrisa casi burlesca y cínica hacia el que yace a sus pies. Sus cabellos son largos,rizados y bien trabajados y su cuerpo desnudo presenta un perfecto estudio anatómico.
El torso, pues, está inspirado en un bronce clásico, pero su acabado no tiene precedentes en el arte clásico.
Esta anatomía tan bien lograda se ha conseguido mediante el tratamiento de la piel, pues es «con la superficie finamente pulida y casi negra del bronce subrayando con sus reflejos la complexión naturalista, como logra proporcionar su deslumbrante sensualidad al cuerpo juvenil»


Análisis Simbólico


Análisis Crítico


Las obras de Donatello influyeron en la escultura de Florencia y del norte de Italia durante el siglo XV. Representó también un impulso importante en el desarrollo realista de la pintura italiana, sobre todo en la obra del gran artista de Padua Andrea Mantenga. Donatello tuvo muchos discípulos, entre los que destacó Desiderio da Settignano

Verrocchio

Análisis Biográfico

Escultor, orfebre y pintor italiano.
Principales obras:Cristo y santo Tomás ,El bautismo de Cristo, 
Virgen con los santos Juan Bautista y Donato ,Tobías y el Ángel ,David y Estatua ecuestre a Coleoni.


Análisis Formal

Obra realizada en bronce mediante la técnica del vaciado.
El naturalismo del Renacimiento es notorio ,podemos verlo en el caballo que se intenta dotar de gran realismo ,con una musculatura bien trabajada y captándose muy bien el movimiento.
El Condotiero presenta un naturalismo idealizado al mostrar una imagen ideal del guerrero  de innegable energía.
Composición dinámica por el avance del gesto del caballo y por el contraposto que marcan la cabeza del jinete y el cuello del caballo.

Análisis Simbólico
Análisis Crítico

Luca della Robbia

Análisis Biográfico

Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.


Análisis Formal

Toda la iconografía de la cantoría concebida por Luca della Robbia gira en torno a la interpretación musical de un canto de alabanza a Dios llevado a cabo por niños y adolescentes, concretamente el Salmo 150 de David titulado Laudate Dominum, cuyo texto aparece expresado a lo largo de una inscripción con caracteres romanos que recorre los frisos colocados a tres alturas en los remates de la cantoría.
En cada uno de los relieves se presentan escenas relacionadas con los cuatro tipos de instrumentos: viento, cuerda, teclado y percusión. Para formar una capilla completa, los relieves laterales muestran grupos corales cantando a viva voz y uno inferior una escena exclusivamente de danza. En cada uno de los relieves Luca della Robbia utiliza unos ritmos lineales muy próximos a la obra de Ghiberti y unas formas clásicas en la línea de Donatello, escultores que dejan sentir su influencia por abanderar el rumbo de la nueva escultura de su tiempo.

Análisis Crítico

En definitiva, Luca della Robbia ha pasado a la Historia del Arte como uno de los más grandes artistas de la terracota y la cerámica, uniendo estas disciplinas a la escultura.

Giovanni Bellini

Análisis Biográfico


Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino nacido en  1433 fue un pintor cuatrocentista italiano. Está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.
El festín de los dioses


 Análisis Formal

Es una de las pocas pinturas mitológicas del artista veneciano. Evidencia así cómo, al final de su vida, Bellini contribuyó a la creación de las nuevas corrientes renacentistas, mostrando la misma monumentalidad y cualidades pictóricas que las obras de sus jóvenes contemporáneos.
Hay equilibrio entre el paisaje y las figuras. En primer término se ve a los dioses del Olimpo dándose un festín. La escena representa juntos dos episodios de la obra de Ovidio Fastos. Príapo, a la izquierda, está intentando seducir a la ninfa durmiente Lotis, pero se lo impide el rebuzno del asno de Sileno. Alrededor se encuentran los dioses borrachos: Júpiter tiene un águila cerca de él, Poseidón está acariciando a Cibeles y Ceres, mientras Hermes está languidamente estirado sobre un tonel. El chico con hojas de parra en la cabeza es una representación inusualmente joven del dios Baco. Se cree que Bellini inicialmente pintó a las figuras como mortales, siguiendo una traducción errónea de Ovidio (el llamado Ovidio volgarizzato), y tuvo que repintarlas con los atributos de los dioses olímpicos.
El paisaje del fondo está dominado por árboles frondosos.
La luz es delicada y tierna.

Análisis Simbólico
Análisis Crítico

Giorgione

Análisis Biográfico

Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione  fue un pintor italiano del Alto Renacimiento, representante destacado de la escuela veneciana, cuya carrera quedó interrumpida por su temprana muerte, con poco más de 30 años.

Giorgione es conocido por la poética calidad de su trabajo y es  uno de los pintores más misteriosos de la historia del arte europeo.
Junto con Tiziano, que era un poco más joven, y tras Giovanni Bellini, es el iniciador de la escuela veneciana dentro de la pintura renacentista, que logra gran parte de su efecto mediante el color y el ambiente, tradicionalmente opuesta a la preferencia por el dibujo de la pintura florentina.


Los tres filósofos


Análisis Formal

ubicado en el centro de la trayectoria estilística del maestro de Castelfranco. Las tres figuras se insertan a la perfección ante la naturaleza, recibiendo un potente foco de luz que resalta las tonalidades de sus vestimentas y crea una sensación atmosférica en sintonía con el "sfumato" de Leonardo. La disposición de las figuras en el espacio es muy acertada, situándolas en diferentes planos mientras que el punto de fuga se halla en el paisaje, diferente al quattrocentista en tanto en cuanto se acerca más a la realidad y se intenta representar la naturaleza tal y como es. La poesía que el maestro aporta al paisaje estaría en relación con su elevada cultura, estrechamente relacionada con el neoplatonismo por lo que algunos especialistas interpretan esta escena como una alegoría de las tres edades del hombre, mientras otros críticos consideran que estamos ante un tema menos profano al apuntar a los tres Reyes Magos, que hacen sus cábalas para encontrar la estrella que les guiará al Niño Jesús.

Análisis Simbólico

A través del tiempo algunos historiadores han realizado interpretaciones de la obra en las que se identifica a los tres personajes representados con astrónomos, geómetras, matemáticos e incluso los Reyes Magos. Existen alrededor de quince interpretaciones;5 sin embargo, no se ha podido determinar cuál de estas hipótesis es la correcta.
Otra de las propuestas del significado de la obra es la de Hubert Janitschek, quien identifica a los personajes con las distintas edades del pensamiento, más claro al anciano lo asocia con la filosofía antigua, el hombre en edad madura con la filosofía medieval y al joven con la filosofía renacentista.

Análisis Crítico


Corregio

Análisis Biográfico

Antonio Allegri da Correggio  nacido en  1489 – ibídem, 5 de marzo de 1534) fue un pintor italiano del Renacimiento, dentro de la escuela de Parma que se desarrolló en la corte de los Farnesio durante el apogeo del Manierismo en Italia.
La Tempestad

Análisis Formal

La disposición de los personajes y su relación con el paisaje hacen que la escena atraiga al espectador desde el primer momento. Se advierte algo más, algo simbólico y misterioso que no alcanzamos a comprender.
La mujer, que algunos consideran una representación profana de una Madonna, mira desafiante al espectador, sin ningún reparo, mientras que el personaje masculino gira su cabeza hacia la escena como si quisiera presentarla. Ambos personajes no están conectados, se representan aislados uno del otro pero formando parte del mismo escenario.

Esto parecería correcto si un profundo análisis con rayos X no hubiera demostrado que la figura masculina fue en un principio otra mujer desnuda inclinada para tomar un baño. Esta rectificación tan radical no hace más que añadir incógnitas a la obra.

El paísaje no es aquí una mera excusa para la escena, sino el propio tema principal que atrae la atención del espectador desde un principio. Cautiva la fuerza poética y sujestiva del cuadro, no representa una realidad sino una ensoñación.
Es decir, es una recreación pictórica de una emoción, algo que se realiza por primera vez en Historia del Arte en este cuadro y que convierte a "La tempestad" en una obra maestra de la pintura.






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