fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
Capilla Brancacci,La Trinidad,Políptico de Pisa,Virgen con el Niño y Santa Ana,
Observamos en esta obra una idea nueva: la representación junto a la tradicional pintura para el altar, la extensión ilusionaria de un espacio arquitectónico real mediante una bóveda fugaz que envuelve a todas las figuras.
Cinco niveles de profundidad en la escena.
Se observa una gran simetría y la importancia que Masaccio le otorga a la triangulación de la escena. Combinando así esta simetría con el escalonado para mostrar más fácilmente la jerarquía de las fases desde la muerte a la salvación.
Los arcos de medio punto, los órdenes clásicos o el dicromatismo se encuentran cuidadosamente señalados por el pintor.
En cuanto al color, podemos decir que existe una distribución alternada y simétrica en armonía con la estructura compositiva del cuadro. La gradación de colores y su uso naturalista fortalecen la idea de naturalismo e individualización de cada personaje integrante del conjunto.
El empleo de la luz en este fresco es integrador y unificador del espacio en donde habitan las figuras, sin existir un foco artificial ni definido que alumbre excesivamente la representación.
Como es típico también en el Renacimiento se recurre a las formas geométricas (cuadrado, rectángulo, círculo) para organizar todo el espacio.
Predomina la línea sobre el color, aunque ésta sea apenas perceptible. El dibujo es sintético (con pocos detalles y una cierta tendencia a la geometría, especialmente en los paños). En cuanto al color está contrapesado para no perder armonía.
Luz es utilizada de forma representativa por el autor, creando con ella claroscuros que refuercen el carácter volumétrico (tridimensional) de las figuras.
Masaccio quiso dar interés hacia la perspectiva científica dotándola de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la expresión de sus personajes y el empleo de la iluminación, que transmitía a sus obras un lenguaje crucial para la evolución de la pintura renacentista.
La obra de Mosaccio no sólo es importante por el valor estético si por por la base de sus pinturas:la masa y el volumen de las figuras represetándolas con perspectiva y con una única fuente de luz.
En frescos sirvió de referentes a grandes pintores posteriorescomo: De Vinci ,Rafael y Miguel Ángel.
Paolo Ucello
Análisis Biográfico
Nació en Florencia en 1397 falleciendo en 1475.Fue un pintor cuatrocentista y matemático que se destacó principalmente por su obra pionera en la perspectiva visual en el arte.
Obras principales: Las Tres pinturas que representan la batalla de San Romano
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| La batalla de San Romano |
Análisis Formal
No se trata de representación literal de un tema teatral, sino de la escenificación pictórica de un tema histórico y conmemorativo.
La luz y el objeto alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone entender la luz como fenómeno metafísico y simbólico a la manera medieval, sino como el efecto de lo que podríamos llamar luz escénica.
Los objetos aparecen aislados, delimitados en su propio valor lumínico, y cumplen una función estructural, porque sirven como elementos a través de los cuales se desarrolla toda la trama perspectiva del escenario.
Análisis Simbólico
Este cuadro, pintado probablemente para ser colocado en una sala del palacio de los Médici-Riccardi, representa un episodio de la historia de Florencia, del que aún se hablaba cuando se pintó la obra: la batalla de san Romano, el 1432, cuando las tropas florentinas, capitaneadas por Ciccolò da Tolentino vencieron a sus rivales milaneses, liderados por Bernardino della Carnia, mercenario de Filippo Maria Visconti. Ocho horas de lucha dieron el triunfo a las tropas de los Médicis, sin que durante la batalla se produjera un solo muerto.
Análisis Crítico
Usó la perspectiva para crear la sensación de profundidad en sus pinturas.El realismo analítico de Uccello combina muy bien con su geometrización de las formas, lo que contribuye al efecto general de abstracción transmitido por sus obras. En otras palabras, las composiciones de Paolo son más abstractas y simbólicas que naturales
Fra Angelico
Análisis Biográfico
Conocido como el beato Angelico nació en Florencia en 1390 pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a ser el "Beato Fra Angélico".
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| La Anunciación |
Análisis Formal
Composición cerrada,equilibrada y estática.
Los personajes se agrupan en espacios diferentes.
El movimiento está sugerido por las diferentes actitudes y gestes de los personajes.
La luz se utiliza de forma natural,clara y diáfana modelando las formas con suavidad.
Utilización del oro como luz de la divinidad.
Colores vivos y variados.
Análisis Simbólico
Análisis Crítico
Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico internacional de Gentile da Fabriano, con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra.
Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento.
Sus obras, plenas de espiritualidad, huyen de lo trágico y estarían vinculadas por con la tradición medieval por el uso de fondos dorados o la estilización de las figuras, así como cierta tendencia al decorativismo.
Sandro Boticelli
Análisis Biográfico
Sandro Boticelli nació en 1945 y falleción en 1510,fue un pintor cuatrocentista italiano. Sus obra se ha considerado representativas de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y el Nacimiento de Venus y la Primavera son actualmente dos de las obras maestras florentinas más conocidas.Se convirtió en el máximo intérprete del Neoplatonismo de la época,con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elementos trasncendental del arte.
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| La Primavera |
Análisis Formal
El paisaje boscoso de la obra consta de naranjos (un árbol asociado en el Renacimiento a los dioses y al Juicio de Paris) en la izquierda, un mirto (asociado a Venus) en el centro, y laureles (asociados a las ninfas de los bosques y fuentes, y también al escudo heráldico de Lorenzo de Pierfrancesco de Medici, el primer propietario de la pintura) en la derecha. En contraste con el bosque del fondo, el suelo del primer plano parece un típico prado florido florentino (la ciudad de Florencia tenía como símbolos a la ninfa Flora o Florentia, y al David bíblico), con una hierba muy oscura poblada de un auténtico catálogo botánico de flores toscanas, típicas del mes de mayo.
El bosque estático (al menos en la parte izquierda) enlaza el conjunto en una unidad espacial de composición que cobra dinamismo en el plano principal de los nueve personajes, con cinco escenas triangulares muy equilibradas que se entrelazan en una secuencia espacial y temporal de derecha a izquierda. La mayoría de comentaristas han dividido la obra en tres partes (derecha, el centro con Venus e izquierda), pero hay que señalar que geométricamente son dos, pues Venus no está en el centro exacto, que corresponde a la vertical que pasa por su mano levantada y el arco de Cupido
Análisis Simbólico
Análisis Crítico
Andrea Mantegna
Análisis Biográfico
Andrea Mantegna fue un pintor cuatrocentista italiano que nación en 1431 y falleción en 1506.
Sus obras principales son frescos con escenas de las vidas de San Juan y San Cristóbal,tablo Virgen y niño con castos,Cristo en el Monte de los Olivos,Tránsito de la Virgen/Muerte de la Virgen,Cámarade los Esposos,Cristo bajando al Limbo,La Adoración de los Magos y Cristo Muerto,etc.
Análisis Formal
Análisis Crítico
La gran aportación de Mantegna a la pintura del Quattricento será dotar de una monumentalidad escultórica suprema a las figuras tomando las ideas de Masaccio y llevándolas a su máxima expresión.No debemos olvidar su producción retratística y sus dibujos y grabados que sirvieron de inspiración a los maestros del Cinquecento.
Leonardo Da Vinci
Análisis Biográfico
Fue un polímata florentino del Renacimiento italiano,fue a la vez pintor,anatomisto,arquitecto,artista,botánico científico,escritor,escultor,filósofo,ingeniero,inventor,músico,poeta y urbanista.Nació en Vinci en 1472 y falleció 1519.Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán,trabajó en Roma, Bolonia y Venecia.
Descrito como un arquitecto y hombre del Renacimiento,genio universal,además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva. Es considera como uno de los más grandes pintores de todos los tiempo y probablemente es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
Sus obras principales : Gioconda,La Última cena y la Virgen de las Rocas.
Análisis Formal
La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular) y el paisaje.
La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles.
Utiliza colores ocre para las sombras oscuras, albayalde y amarillo sulfuroso para los colores carne. Para el paisaje utiliza el negro, tonalidades de marrón y gamas de azules, difuminando el color para marcar la lejanía y proximidad del paisaje, que se percibe pero no se determina.
Hace un uso sombrío de la luz tanto en el retrato como en el paisaje. Progresa desde el fondo, se concreta en la transparencia de los velos, en los pliegues del vestido, entre los cabellos, y resbala sobre el rostro y las manos haciendo sentir bajo la piel diáfana, el pulso de la sangre.
Análisis Simbólico
La obra representa un retrato, pero no sólo eso, sino que es el reflejo de la genial personalidad de Leonardo, absolutamente única e individual, espejo de su afinadísimo sentido analítico, su sabiduría, su genio y sus inalcanzables sueños. La grandeza y la serenidad que la obra trasmite procede, no tanto de la posición social del personaje o de la manifestación de ésta, sino de su profundidad anímica, de su propia intimidad psicológica que parece modelar su presencia física que, al mismo tiempo, se desintegra en la naturaleza envolvente, sin que por ello pierda su propia
identidad.
Como obra independiente ha tenido su propia historia, sin parangón con ninguna otra obra de arte.
Desde la insistencia en pintarla desnuda, basándose en unos supuestos bocetos sobre el cuadro realizados por Leonardo, hasta la explicación de la supuesta afección asmática del personaje, provocadora de su comentada sonrisa, pasando por la duda sobre el sexo del personaje representado.
Un robo sufrido en 1911, consagra su ya altísima fama, al interesar a novelistas, compositores de cuplés, humoristas, etc.
En 1918 es utilizada como imagen de propaganda política, en la tarjeta de La Gioconda Kaiser, a la que seguirán otras muchas, como la Gioconda-Stalin.
También se ha incluido el tema leonardesco en el lenguaje popular, sirviendo de reclamo publicitario para todo tipo de objetos, sufriendo para ello descomposiciones y recomposiciones e incluso deformaciones.
Los artistas contemporáneos han utilizado su imagen en innumerables ocasiones, incluyéndola en sus propias obras.
Análisis Crítico
Leonardo Da Vinci fue un hombre dotado de magia,de curiosidad y de poco conformismo.Me agrada que no haya tenido límites por descubrir lo desconocido de esta manera aportó conocimientos a generaciones pasadas y futuras.La Mona Lisa de Da Vinci una de las obras que más ha marcado en la historia del arte, tal vez por la naturalidad y el detallismo con el que es pintada o por el misterio de su mirada, o quizás por su enigmática sonrisa. Es una obra digna de admiración, lo que no es de extrañar ya que fue pintada por un genio
Raffaello Sanzio
Análisis Biográfico
Nació en Roma en 1483 y falleció en 1520.De ocupación arquitecto y pintor del Alto Renacimiento.Género: pintura de historia y retratos.Es célebre por la perfección de sus artes visuales,destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.
Sus obras más destacadas son los frescos como la Escuela de Atenas ,considera como una de sus obras cumbre.Decoró con frescos las habitaciones conocidas como Estancias de Rafael en el Vaticano.
Análisis Formal
Diógenes se ubica acostado sobre la escalera ante ellos, demostrando su actitud filosófica: consideraba que las posesiones eran un impedimento a la vida. A la izquierda, se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola de Pedro; simboliza a Cristo, la "piedra angular". El hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. Este personaje no estaba en la pintura original. En 1510, Rafael vio el trabajo de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, tras esto lo agregó en su pintura como señal de respeto hacia el artista.
Análisis Simbólico
El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos cuadros de la Virgen con el Niño, algo más solemnes y menos cautivadores que los de la etapa florentina. Los retratos romanos, en cambio, superan en veracidad y penetración psicológica a los florentinos. En ambos casos, el dibujo es de una calidad inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma.Análisis Iconográfico:No cabe duda que el arte romano es la manifestación artística más significativa de la historia del mundo occidental, ya que su influencia nunca se ha dejado percibir a lo largo de los muchos siglos desde su desaparición en toda Europa. No ha habido momento histórico (quizás el gótico es el arte y arquitectura más alejada del canon romano) que no haya sufrido en mayor o menor medida su influencia.
Análisis Crítico
Tiziano Vecellio
Análisis Biográfico
Tiziano Vecellio o Vecelli fue un pintor italiano del Renacimiento,uno de los mayores exponente de la Escuela Veneciana.
Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos,igualmente capacitado para ejecutar retratos,paisajes,escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa.Tuvo una larga y dilatada carrera y su obra atravesó muchas y diferentes etapas,en las que su estilo cambió drásticamente.
Obras destacas:Adán y Eva,La Bacanal y Venus de Urbino entre otras.
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| Dánae recibiendo la lluvia de oro |
Análisis Formal
La obra se encuentra sobre un lienzo y la técnica llevada a cabo para su realización fue la técnica del óleo. Se trata de una escena mitológica ya que se representa en ella un mito. Toda la escena es un conjunto, por lo tanto, encontramos un único plano.
Se observa un claro predominio del color rojo y un contraste violento de amarillos y azules. También se ve la transición de la piel blanquecina de la joven en contraposición a la nube dorada que aparece en la parte superior, y el color oscuro de la sirvienta o celestina.
El principal foco de luz es la figura femenina desnuda, ya que se nos presenta con la piel muy pálida y blanquecina, al igual que el lecho donde se reclina.
Se observa un claro predominio del color sobre la forma, característica principal de la escuela veneciana y más de Tiziano quien optó por el color para modelar sus figuras y dejó atrás los trazos gruesos que las enmarcaban en sus primera figuras. Se observa un alto nivel de detallismo, sobre todo en los pliegues de la sábana de la cama y en la túnica de la anciana. Las figuras parecen no tener peso y parecen flotar en la sombra, donde se armonizan los más ricos tonos de marrones, rojos y grises en un centellear de cielos de un azul intenso
La escena muestra una actitud de reposo, como si la figura femenina estuviera esperando algo tranquilamente, con la mirada perdida y con una actitud serena y relajada. La profundidad se ha conseguido con las nubes y poniendo a la figura de la anciana en un escorzo leve.
Análisis Simbólico
Esta obra pertenece a la serie de «poesías». El concepto, derivaba de la
concepción renacentista del arte que, basándose en la expresión de ut pictura poesis de
Ovidio en Ars poética, se equipara la pintura y la poesía. Eran pinturas de tema profano
basadas en contenidos literarios. Las «poesías» eran una serie de pinturas de tema
mitológico que Tiziano realizó entre 1553 y 1562 para Felipe II y que estaban
destinadas a decorar una cámara privada. Este encargo, que debió de surgir en
Augsburgo en 1550, en principio iba a constar de cuatro obras, pero finalmente se
añadieron otras tres. Los asuntos representados fueron: Dánae recibiendo la lluvia de
oro, Venus y Adonis, Perseo y Andrómeda, el rapto de Europa, Diana y Calixto y Diana
y Acteón. La historia de Medea y Jasón no llegó a realizarse. Todas estas historias
procedían de Las Metamorfosis de Ovidio.
Análisis Crítico
Las Dánae de Tiziano, eran auténticas cortesanas o concubinas retratadas en
estado de embriaguez amoroso y no querían esconder que era el oro quien las había
seducido. Por tanto, Tiziano innova profundamente en la temática mitológica y se
adelanta a su tiempo, anticipando la sensualidad y sugerencia de los desnudos de los
pintores del Barroco y del simbolismo
Tintoretto
Análisis Biográfico
De nombre verdadero Jacopo Comin nacido en Venecia en 1518 y murió en 1594 fue uno de los grandes pintores de la escuela Veneciana y probablemente el último gran pintor del renacimiento italiano.Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado II Furioso y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de el un precursor del arte Barroco.Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen Marían en la Scuoa Grande di San Rocco de Venecia.
Análisis Formal
Fue pintado con perspectiva lateral.
La escena es totalmente teatral con tendencia cómica y con muco dinamismo.
Curiosamente en n espejo se representa la Sana Cena.
Análisis Simbólico
El cuadro representa la escena de la eucaristía donde Jesús lava los pies a sus discípulos simbolizando la humildad.
Análisis Crítico
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